2018年12月10日月曜日

カンヌでの昼休みの過ごし方

様々な見本市や商談会が開催されるカンヌを仕事で訪れたことがある人は多いと思う。私もかつてはテレビ業界のマーケットで春と秋に訪れ、近年はラグジュアリー・トラベルの商談会で毎年12月ににカンヌに行く。

数年前に知って以来、カンヌを訪れた際は必ず行く場所がひとつある。クロワゼット沿いにあるLa Malmaison(マルメゾン)という美術館。


小さな美術館だが、結構面白い企画展をやっていることが多く、昼休みの1時間を使って行くようにしている。今年は「De Brauner à Giacometti et de Léger à Matta(ブローネルからジャコメッティ、そしてレジェからマッタ)」という近代アートの展示だった。

Anne Gruner Schlumbergerというコレクターの約1000点の所蔵作品から厳選した56点を展示。特に彼女が個人的に親交があったヴィクトル・ブローネルとマックス・エルンストにスペースを割いている。展覧会のタイトルにあるアルベルト・ジャコメッティ(トレードマークの彫刻ではなく、デッサン2点)、フェルナン・レジェ、ロベルト・マッタのほか、パウル・クレーやデュビュッフェなどもあり、シュルレアリスムやその周辺の時代のアーティストたちの作品を集めている。ブローネルなど、これまで見る機会がなく、Wikipediaの日本語ページがないようなアーティストの作品を発見できるいい機会でもある。

規模としては30-40分もあれば見られ、商談会の会場のパレ・デ・フェスティバルからの往復を含めても1時間で収められる。鑑賞後はそれなりの充実感もあり、昼休みの有効な使い方だと思っている。

しかしこの美術館、いつ行ってもガラガラなのだ。今年は例年になく宣伝に積極的で、クロワゼットの並木に沿ってバナーが出されていたにも関わらず、訪問時は他に誰もいなかった。

カンヌを何度も訪れていても、市内で買い物以外の観光をしたことがない人は結構多い。コートダジュールの太陽と青い海というリゾート地としてのステータスそのものがカンヌの売りなので、いわゆる観光スポットが少ないことも事実ではある。そんな場所に仕事で行ったら、昼休みくらい、テラスレストランで白ワインを飲み、まぶしい日差しの下、わざわざこのために持ってきたサングラスをかけ、新鮮なシーフードのランチでも楽しみたいと大抵の人が思って不思議はない。

とはいえ、マルメゾンがここまで見過ごされるのはちょっともったいない気がしている。カンヌに3、4日も滞在するのなら、昼休みのうち1回を使って立ち寄ってみても損は無いと思う。(マルメゾンは13時から14時はクローズするのでご注意を)。
夜は素敵なライトアップ!












2018年12月1日土曜日

エゴン・シーレとバスキア

パリのルイ・ヴィトン財団美術館で、エゴン・シーレとジャン=ミシェル・バスキアの個展を同時開催している。

どういう意図でこの二人を並べたのか不明だが、共通点は、時代のオーソドックスから逸脱していたことと、シーレが28歳、バスキアが27歳でいずれも夭逝していること。今年2018年はシーレの没後100年、そしてバスキアの没後30年に当たる。

作品数はシーレが約100点、バスキアが約120点と、大差ないのだが、バスキアの作品は一つ一つが大型なために、4フロアにもわたって展示されている。最近、日本人が123億円で落札したことばかりが話題になったドローイングもあったが、これは1981年から83年に制作された3点の「Heads」のひとつで、今回初めて一緒に展示されているということを知った。

アンディ・ウォーホルとのコラボレーションの時代を経て、ウォーホルの死後、晩年のバスキアの作品は、ヘロインの影響もあったのか、自分の内面に抱えた表現しきれないものを、テキストを多用することで表現しようとしていたような印象を受けた。

エゴン・シーレのほうは、もっとコンパクトなスペースに収まっているが、見応えは十分。1908年から亡くなるまでの10年間の作品を時系列で展示し、その「線」の変化を追う。初期はユーゲントシュティールやクリムトの影響を受けた「装飾的な線」、続く1910年からは「表現主義の実存的な線」と題され、彼が得意とした自画像など、色彩豊かで軽やかな作品が並ぶ。

第一次大戦の影が落ち始めた1912年以降、線のしなやかさが消え、フラットさが目立つようになる。

大戦中は、シーレも招集されたが前線には行かず、制作活動は細く続けることができた。そしてウィーンに戻った後、1908年の第49回分離派展には約50点の作品を出品。そこで再評価され、まさにこれからというときに、流行していたスペイン風邪にかかり、命を落としてしまう。下の写真は、遺作となった未完の作品。


これはあくまでも個人的な所感だが、二人とも同じくらい短い人生ではあったが、バスキアは終末に向かって進み、燃え尽きた感があったのに対し、シーレは、ふっと消えてしまったような印象だった。

二つの展覧会は2019年1月14日まで。




ピカソ 青とバラ色、そしてオークル

パリのオルセー美術館で開催中の「ピカソ 青とバラ色(Picasso, Blue and Rose)」という展覧会が面白い。本当は、ピカソ美術館の「Masterpieces」展を見に行くつもりだったが、オルセーの展示の評判を目にし、ウェブサイトをチェックすると、オンラインチケットの直近の枠が次々に売り切れていくのを見て、思わずこっちにした次第。


生涯で約15万点もの作品を残したピカソは、どの時代を切り取ってもそれなりの作品数の展覧会が成立するが、1900年から1906年の青色の時代とバラ色の時代にフォーカスした展示は、意外にもフランスではこれが初めてとのこと。

18歳から20代半ばにかけてのまさに多感な青年時代のピカソの作風は、わずか6年間で様々に変化する。しかし俯瞰で見ると、どこかで劇的な変化が起こるわけではなく、自然なシークエンスとしての変遷だとわかる。

1900年にパリを訪れたピカソは、ロートレック、ゴッホ、ドガなどに影響を受け、自分の作風にそれらを取り込む。そして翌年、初めてパリのヴォラール・ギャラリーで開いた個展が大成功を収め、パリのアートシーンで一躍注目されるようになった。

その直後、親友の自殺を機に、ピカソが青を多用するようになるのは良く知られた話。女性刑務所や、悲しみや痛みをテーマにした絵を様々な青色を使って描いた。ピカソによるっと青の使用は「内面から生まれたもの」だったそうだが、夜、パラフィンランプの灯りで描いた影響もあったのでは、という見方もある。

その後、恋人ができたピカソ。作風自体は大きく変わることはなかったが、モノクロームだったパレットに少しずつ色が加わり、バラ色の時代へ移行する。曲芸師や家族をモチーフにした、温かみのある絵が増える。

そしてこの後、バラ色はオークルへと変化していく。ピレネー山脈にあるスペインのゴスルという村へ旅した際、無駄を徹底的にそぎ落とし、原点回帰に集中したピカソは、パリに戻ると、再度女性の体をモチーフとし、オークルの濃淡だけで絵を組み立てることにフォーカスした。これがその後のキュビズムにつながっていくのがわかる。

6年という短い期間にも関わらず、その時代のアートと、画家の人生のストーリーが交差して見える、とても興味深い展示だった。2019年1月6日まで。