2020年9月17日木曜日

東京で雲海を見る

ホテル椿山荘東京で10月1日から始まる「東京雲海」のお披露目に伺った。

最初に聞いたときは、「都心で雲海?」と、どんな風に見えるのか想像がつかなかった。ちょっとわくわくしながら伺った日没後。ライトアップされた庭園に、三重塔が浮かび上がる。東京にありながらこの庭園のスケール、改めて圧倒される。何でも景勝地としての歴史は南北朝時代(14世紀!)に遡り、明治時代に山縣有朋が購入して庭園を造ったのだそう。造園は彼の郷里である山口県萩の地形をイメージしたのではと言われている。三重塔は、その後大正時代に追加され、東京大空襲でも奇跡的に消失を免れた。

見ていると、斜面から白い霧が噴き出してきて、眼下に雲海が広がった。

照明で少し色づいた雲海がちょっと幻想的。伝統的な庭園の美に無理やり現代的なものをぶつけるのではなく、うまく調和している。

最先端のノズルテクノロジーによって(どう最先端なのか見当もつかないが)、効率的にミストを発生させているとのこと。ミストは庭園の斜面を滑るように降りていき、低いところで広がり、自然に消えていく。

雲海をバックにした和太鼓グループ「彩」の演奏も絵になった。

この雲海は朝と昼間も定期的に発生させるとのこと。雲海を眺めながら朝食もとれる。本物の雲海を見に行くのは遠くても、東京で気軽に体験できる雲海は、新名所になるかも?




2020年9月4日金曜日

泥絵に見る江戸の風景

丸の内のインターメディアテクへ「遠見の書割 ポラックコレクションの泥絵に見る『江戸』の景観」展を見に行った。

インターメディアテクは商業ビル内にありながら、土器から大型絶滅鳥の骨格標本まで、膨大な数の学術標本が展示された真面目な博物館。展示室のレトロなデザインが独特の不思議な雰囲気を醸し出す。隅から隅までじっくり見れば一日つぶせそうだが、それはまたにする。

さて、今回見た泥絵は、江戸時代後期に江戸などの風景を描いた洋風画の数々。安い土産物として売られ、長い間それ以上の芸術的評価がされることはなかったらしい。

泥絵の特徴とされる画面全体のブルーは、ベロ藍と呼ばれた舶来の化学染料が使われた。全体にぺたんと塗られた不透明な青は、抜けるような青空なのか、どよんとした薄曇りなのか、ときにはっきりしない。

旅人が持ち帰る都市の景観画としては、ヨーロッパのヴェドゥータと同じような役割だったのではと思うが、ヴェドゥータはカナレットのような芸術家が世界に名を残しているのに対して、泥絵で名を残した作者はほとんどいない。確かに緻密さの点では、ヴェドゥータと泥絵は比べ物にならない。逆に言えば、泥絵は簡略化した絵でうまく土地の雰囲気を伝えていて、見た人にそこに行きたいと思わせることより、実際に行った人の旅の想い出を引き出すにはちょうどいい加減だったのかもしれない。

旅先で見た風景を想い出に持ち帰りたいという思いは、今も昔も変わらない。写真がなかった時代はこうした風景画が頼りだったし、今でも、自分で撮った写真とは別に絵はがき(写真はがき)を求める人は多い。でも時々、写真をたくさん撮っただけで風景を記憶したような気になっていることもある。(そしてちょっと昔の写真を見て、「あれ、こんなとこ行ったっけ?」となる。)

旅の記憶は外付けハードディスクに頼り過ぎてはいけないと、常々思っている。天気さえはっきりしない泥絵を見て、自分がそこに立っていた時のことを鮮やかに思い出すことができた江戸の人々を見倣いたい。

2020年8月7日金曜日

輝きの体験「INTENSITY」展


銀座のポーラミュージアムアネックスで開催中の「INTENSITY」展へ。松尾高弘氏の光のテクノロジーアート3点が展示されている。点数は少ないが、去り難さを感じる展示だった。

最初の作品「Phenomenon」は、横長のスクリーン上を砂金や炎を思わせる粒子の群れが、生き物のように流れる。

一見、自然でランダムな動きの裏に、綿密な計算が存在する。





黒いカーテンをくぐって進むと、暗い空間に輝く光のオブジェが浮かぶ。「Flare」という作品。一見、軽く脆そうにも見える多面体のプリズムが、真夜中の太陽のような力強い光を放つ。

そして圧巻は最後の「Spectra」。世界初の技術で「太陽光の放射角を持つ特殊なLEDの光」を実現したそう。光は上から降り注ぐ水に反射し、眩く美しい光と水のインスタレーションを浮かび上がらせる。あらゆるゴールドやシルバーのライトを集めたような華やかで圧倒的なきらめきに、時々、線香花火の繊細な閃きが混じったような光の雨。


ああ、残念なことにこの写真ではその美しさの千分の一も伝わらない…。

いやきっと、たとえ腕のいいカメラマンが8Kカメラで撮ったとしても、あの輝きも、それを目の前にしたときに感じる高揚もしくは沈静も、再現できないと思う。

テクノロジーと光と水を組み合わせることで、人間のリアルな知覚に訴えるエネルギーのある作品だった。


この展覧会は2020年9月6日まで。ソーシャルディスタンス確保のため予約制をとっており、各時間枠の定員は少人数なので安心して鑑賞できる。満席になってしまうこともあるので、早めの予約を。



2020年6月10日水曜日

「コズミック・ガーデン」

6月に入り、都内のアート展も再開し始めている。

ここ2か月くらい、家にいるのはそれほど苦にならず、退屈もしなかったほうだが、アートを見に行くことについては「ないと寂しい」と感じていた。世界の名だたる美術館が作品をオンラインで無料公開しているのも知っていたが、何故かあまり熱心に見たい気持ちは起らなかった。

銀座のメゾンエルメスフォーラムを通りかかり、ブラジルのアーティスト、サンドラ・シントの「コズミック・ガーデン展」のポスターを見て、吸い込まれるように入った。

会場に入ると、薄いブルーの下地に、白い細い線で不思議なドローイングが描かれた壁が続く。描かれたものは正体不明で、雲のようでもあり、細胞のようでもあり、クラゲのようでもある。朝の海を思い浮かべた。これは人によって感じ方が異なるだろうし、その時差し込む光にも影響されるかもしれない。梅雨入り前で晴れていた東京の午後の日差しは、摺りガラスを通して柔らかな光になり、穏やかな海を連想させた。


そしてブルーは次第に濃くなり、反対側のコーナーでは夜空のような色になる。この青のグラデーションは、宇宙を象徴的に表しているそうだ。


コオロギの鳴き声が流れ、夏の星降る夜の空を見上げる気分。でもよく見ると、花火のような、タンポポの綿毛のような。


アートは、鑑賞者が自分の存在を理解するひとつの方法だとするシント。その理解につながっているのかはわからないが、作品の空間に没入し、空想することで、鑑賞者はその世界の自分なりの解釈を自然に考える。これは実体験だからできることだと、今は思うが、オンラインの仮想空間で同じ感覚を持てる日が、ほどなく来るのだろうか。1年前には予想もしなかった世界の変化で、スタンダードもどんどん変わる。適応していくことは、人間の感覚を進化させるのか、退化させるのか、それとも違う生き物になっていくのか、コズミック・ガーデンの中で考えた。

2019年12月15日日曜日

クリスマスに向かう街

クリスマス前のロンドン。メイフェアのホテル「Claridge's」には、クリスチャン・ルブタンデザインのクリスマスツリーが飾られ、ロビーは宿泊客以外にも記念撮影に訪れた人で賑わっていた。


ルブタンの靴のオーナメント
街はクリスマスを迎えるために綺麗に飾り付けられ、夜はイルミネーションが輝き、とても美しい。

そして、びっくりするほど人が多い!

12月初旬のロンドンでは、ショッピングストリートはクリスマスのための買い物客でごった返し、車も渋滞、地下鉄に乗れば朝の銀座線のような混雑。

まるで、毎年必ずテレビ中継が入る「年末のアメ横」さながらだった。

日本でもクリスマスはもはやドメスティック行事の一つとして定着しているが、クリスマスを迎えるの準備の盛り上がりでは、ヨーロッパにはかなわない。


一方、前述のアメ横然り、初詣の明治神宮然り、お正月関連の人出は必ずニュースになる。年越しそばの天ぷらや、おせちの卵焼きを買うためにデパート開店前から大勢の人が並び、1時間、2時間待って買って帰る。これだけオンラインでできることが増えた今でも、ことお正月に関しては、日本人のDNAに「リアルな体験」が組み込まれているんじゃないかとさえ思う。同じことがヨーロッパの人にとってのクリスマスにも言えるかもしれない。

そんなお正月を前に、比較したら控えめな日本のクリスマスも、人々がフルスイングで臨むヨーロッパのクリスマスもどちらも、街はきらめき、人々はちょっと浮足立ち、旅していても心が躍る。



2019年12月14日土曜日

「岩窟の聖母」デジタル体験

レオナルド・ダ・ヴィンチ没後500周年の今年、パリのルーヴル美術館など各地で関連の展覧会が開催されている。ロンドンのナショナル・ギャラリーでも、同館が保有する「岩窟の聖母」をフィーチャーした展示が行われている。


「Leonardo: Experience a Masterpiece」と題されたこの展示は、デジタル技術を駆使し、「ダ・ヴィンチのマインドを通して傑作『岩窟の聖母』を探求する」という試み。常設展示なら入場無料のところ、この作品たった一点を膨らませて20ポンド(約2900円)も取ろうというのだから、かなり意欲的なプロジェクトである。

結論から申し上げると、なかなか面白かった。ダ・ヴィンチがこの作品を制作する際にモチーフにしたと思われる風景の投影に始まり、次のアトリエを再現したスペースでは、キャンバスや壁に映像やテキストが投影され、赤外線で見た下絵や、ルーヴル版とロンドン版の二つの「岩窟の聖母」の驚くべき類似性も確認できる。


ハイライトはもちろん、本物の「岩窟の聖母」。ロンドン版のこの作品がもともと飾られていたミラノのサン・フランチェスコ・グランデ教会の祭壇をデジタル画像で再現し、その中央に作品を置き、両脇には当時あったとされる天使の絵が投影される。当時この作品が飾られていた様子が少し想像できる。


こうして映像を中心とした現代の技術で作品のコンテクストを説明する手法は、近い将来、オーディオガイドに代わる存在になるのではないだろうか。ARの技術で、本物の作品を見ながらその周辺情報を再現・提供することが、美術館の新しい役割になるのかもしれない。
礼拝堂の構造を空中に投影したもの

パリのルーヴル美術館でのダ・ヴィンチ展では、もう一点の「岩窟の聖母」を含む、空前絶後と言われるラインアップのダ・ヴィンチ作品が展示されているが、会期終了までチケットは売り切れ。今、ダ・ヴィンチを見たければ、ナショナル・ギャラリーに行けば、作品は一点だけだが、コンテクストも含めてじっくり鑑賞できる。



「オラファー・エリアソン: In Rael Life」展

ロンドンのテイト・モダンで開催中の「Olafur Eliasson: In Real Life」展を見た。

エリアソンと言えば光と色を使ったインスタレーション作品の印象が強い。2003年にここテイト・モダンで彼が手掛けた「Weather Project」では、人工のオレンジ色の太陽と霧を出現させ、大きな話題となった。今回は1990年から約30年間の40作品を展示した回顧展のスタイルを取っている。


最初の「Model Room」では、、彼のこれまでの作品で使用された様々な型のモデルが並ぶ。時節柄、クリスマスオーナメントを思わせる。


初期の作品の中で人気なのは1993年の「Beauty」。暗闇の中に霧のカーテンが浮かび上がる。


体験型作品の極みは「Your Blind Passage」。色がついた霧が立ち込める通路をひたすら進む。1m先にいる人の影さえはっきりしない濃い霧の中で、自分もが霧の中に消えて行きそうな気になる。結構シュールな感覚。


また、彼が90年代から作り続けているカレイドスコープのシリーズには、理屈抜きで見入ってしまう。


今回の展示で、エリアソンの環境問題への取り組みを改めて知ったのは、彼が子供時代から訪れているアイスランドの氷河の消失を示す写真作品を見たとき。


対になった写真が並び、それぞれ左が20年前、右が現在で、同じ位置から撮影している。明らかに氷河が消えていっているのが分かる。子供のころから当たり前のように接し、永遠にあるものだと思っていたものが、そうではなかったことに、エリアソンはショックを感じたそうだ。

視覚的にはいわゆる「エリアソンらしい」作品ではないが、私はこの作品が最も印象に残った。そして光も、霧も、水も、常に同じはないことを、彼の作品に意識するようになった。