2018年12月10日月曜日

カンヌでの昼休みの過ごし方

様々な見本市や商談会が開催されるカンヌを仕事で訪れたことがある人は多いと思う。私もかつてはテレビ業界のマーケットで春と秋に訪れ、近年はラグジュアリー・トラベルの商談会で毎年12月ににカンヌに行く。

数年前に知って以来、カンヌを訪れた際は必ず行く場所がひとつある。クロワゼット沿いにあるLa Malmaison(マルメゾン)という美術館。


小さな美術館だが、結構面白い企画展をやっていることが多く、昼休みの1時間を使って行くようにしている。今年は「De Brauner à Giacometti et de Léger à Matta(ブローネルからジャコメッティ、そしてレジェからマッタ)」という近代アートの展示だった。

Anne Gruner Schlumbergerというコレクターの約1000点の所蔵作品から厳選した56点を展示。特に彼女が個人的に親交があったヴィクトル・ブローネルとマックス・エルンストにスペースを割いている。展覧会のタイトルにあるアルベルト・ジャコメッティ(トレードマークの彫刻ではなく、デッサン2点)、フェルナン・レジェ、ロベルト・マッタのほか、パウル・クレーやデュビュッフェなどもあり、シュルレアリスムやその周辺の時代のアーティストたちの作品を集めている。ブローネルなど、これまで見る機会がなく、Wikipediaの日本語ページがないようなアーティストの作品を発見できるいい機会でもある。

規模としては30-40分もあれば見られ、商談会の会場のパレ・デ・フェスティバルからの往復を含めても1時間で収められる。鑑賞後はそれなりの充実感もあり、昼休みの有効な使い方だと思っている。

しかしこの美術館、いつ行ってもガラガラなのだ。今年は例年になく宣伝に積極的で、クロワゼットの並木に沿ってバナーが出されていたにも関わらず、訪問時は他に誰もいなかった。

カンヌを何度も訪れていても、市内で買い物以外の観光をしたことがない人は結構多い。コートダジュールの太陽と青い海というリゾート地としてのステータスそのものがカンヌの売りなので、いわゆる観光スポットが少ないことも事実ではある。そんな場所に仕事で行ったら、昼休みくらい、テラスレストランで白ワインを飲み、まぶしい日差しの下、わざわざこのために持ってきたサングラスをかけ、新鮮なシーフードのランチでも楽しみたいと大抵の人が思って不思議はない。

とはいえ、マルメゾンがここまで見過ごされるのはちょっともったいない気がしている。カンヌに3、4日も滞在するのなら、昼休みのうち1回を使って立ち寄ってみても損は無いと思う。(マルメゾンは13時から14時はクローズするのでご注意を)。
夜は素敵なライトアップ!












2018年12月1日土曜日

エゴン・シーレとバスキア

パリのルイ・ヴィトン財団美術館で、エゴン・シーレとジャン=ミシェル・バスキアの個展を同時開催している。

どういう意図でこの二人を並べたのか不明だが、共通点は、時代のオーソドックスから逸脱していたことと、シーレが28歳、バスキアが27歳でいずれも夭逝していること。今年2018年はシーレの没後100年、そしてバスキアの没後30年に当たる。

作品数はシーレが約100点、バスキアが約120点と、大差ないのだが、バスキアの作品は一つ一つが大型なために、4フロアにもわたって展示されている。最近、日本人が123億円で落札したことばかりが話題になったドローイングもあったが、これは1981年から83年に制作された3点の「Heads」のひとつで、今回初めて一緒に展示されているということを知った。

アンディ・ウォーホルとのコラボレーションの時代を経て、ウォーホルの死後、晩年のバスキアの作品は、ヘロインの影響もあったのか、自分の内面に抱えた表現しきれないものを、テキストを多用することで表現しようとしていたような印象を受けた。

エゴン・シーレのほうは、もっとコンパクトなスペースに収まっているが、見応えは十分。1908年から亡くなるまでの10年間の作品を時系列で展示し、その「線」の変化を追う。初期はユーゲントシュティールやクリムトの影響を受けた「装飾的な線」、続く1910年からは「表現主義の実存的な線」と題され、彼が得意とした自画像など、色彩豊かで軽やかな作品が並ぶ。

第一次大戦の影が落ち始めた1912年以降、線のしなやかさが消え、フラットさが目立つようになる。

大戦中は、シーレも招集されたが前線には行かず、制作活動は細く続けることができた。そしてウィーンに戻った後、1908年の第49回分離派展には約50点の作品を出品。そこで再評価され、まさにこれからというときに、流行していたスペイン風邪にかかり、命を落としてしまう。下の写真は、遺作となった未完の作品。


これはあくまでも個人的な所感だが、二人とも同じくらい短い人生ではあったが、バスキアは終末に向かって進み、燃え尽きた感があったのに対し、シーレは、ふっと消えてしまったような印象だった。

二つの展覧会は2019年1月14日まで。




ピカソ 青とバラ色、そしてオークル

パリのオルセー美術館で開催中の「ピカソ 青とバラ色(Picasso, Blue and Rose)」という展覧会が面白い。本当は、ピカソ美術館の「Masterpieces」展を見に行くつもりだったが、オルセーの展示の評判を目にし、ウェブサイトをチェックすると、オンラインチケットの直近の枠が次々に売り切れていくのを見て、思わずこっちにした次第。


生涯で約15万点もの作品を残したピカソは、どの時代を切り取ってもそれなりの作品数の展覧会が成立するが、1900年から1906年の青色の時代とバラ色の時代にフォーカスした展示は、意外にもフランスではこれが初めてとのこと。

18歳から20代半ばにかけてのまさに多感な青年時代のピカソの作風は、わずか6年間で様々に変化する。しかし俯瞰で見ると、どこかで劇的な変化が起こるわけではなく、自然なシークエンスとしての変遷だとわかる。

1900年にパリを訪れたピカソは、ロートレック、ゴッホ、ドガなどに影響を受け、自分の作風にそれらを取り込む。そして翌年、初めてパリのヴォラール・ギャラリーで開いた個展が大成功を収め、パリのアートシーンで一躍注目されるようになった。

その直後、親友の自殺を機に、ピカソが青を多用するようになるのは良く知られた話。女性刑務所や、悲しみや痛みをテーマにした絵を様々な青色を使って描いた。ピカソによるっと青の使用は「内面から生まれたもの」だったそうだが、夜、パラフィンランプの灯りで描いた影響もあったのでは、という見方もある。

その後、恋人ができたピカソ。作風自体は大きく変わることはなかったが、モノクロームだったパレットに少しずつ色が加わり、バラ色の時代へ移行する。曲芸師や家族をモチーフにした、温かみのある絵が増える。

そしてこの後、バラ色はオークルへと変化していく。ピレネー山脈にあるスペインのゴスルという村へ旅した際、無駄を徹底的にそぎ落とし、原点回帰に集中したピカソは、パリに戻ると、再度女性の体をモチーフとし、オークルの濃淡だけで絵を組み立てることにフォーカスした。これがその後のキュビズムにつながっていくのがわかる。

6年という短い期間にも関わらず、その時代のアートと、画家の人生のストーリーが交差して見える、とても興味深い展示だった。2019年1月6日まで。






2018年11月30日金曜日

アトリエ・デ・ルミエール

今年4月にパリにオープンした話題の新スポット「アトリエ・デ・ルミエール(L'Atelier des Lumières)。


ここは、東京などでも最近増えている、いわば「没入型デジタル・アート・ミュージアム」。オープンから7か月経っても入場待ちの列ができている。平日は窓口で当日券も買えるが、土日はオンラインの事前販売のみ。このときは金曜午後の時点で土日のチケットは全て売り切れだった。

建物は19世紀に作られた鋳造所。繁栄の後、大恐慌で閉鎖され、その後ずっと放置されていたのが、5年ほど前に再発見された。当時、ボー・ド・プロヴァンスの古い石切り場を使った「カリエール・ド・ルミエール」を成功させたCulturespaces社が目をつけ、パリで同様のプロジェクトを立ち上げる場所に選んだ。




2019年1月6日までのメインのオープニング・プログラムは「グスタフ・クリムト」と「フンデルトヴァッサー」(なぜかいずれもオーストリア)。エゴン・シーレもあったし、他にもいくつかショートプログラムが挟まれる。プロヴァンスの「カリエール~」が印象派中心なので、敢えて違うテイストを持ってきているのかもしれない。

一歩中に入ると、絵に包まれる。無数のプロジェクターから壁と床一面に映像が投影され、床を見ているだけでも、ここが19世紀頃の宮殿になったり、目まぐるしく変化する空間に引き込まれていく。

一番人気のクリムトのプログラムでは、有名な「接吻」を含むクリムトワールドがダイナミックに展開する。

ちょっと意外だったのは見る人たちの「作法」。あおおかたの人が一つの場所にとどまって映像を鑑賞し、一つのシークエンスが終わると皆、拍手をして、次のプログラムまでの間に場所を移る。まるで映画か寸劇を見にきているような冷静さなのだ。

5年ほど前に訪れたプロヴァンスの「カリエール~」では、(記憶では)敷地がもっと広かったこともあり、皆、映像の中を自由に散策して楽しんでいる感じだった。イマーシヴという意味では、そちらのほうが自然だったように思う。

どちらがいいということはないし、また、仕組みにもそう違いはないはずなのだが、パリの「アトリエ・デ・ルミエール」はシアター、プロヴァンスの「カリエール・ド・ルミエール」はエクスペリエンスという表現が近いように思った。でもいずれも、大人から子供まで、幅広い層がアートを楽しめるスポットではある。

行かれる際は、オンラインで事前にチケットを買うのをお忘れなく。

2018年11月29日木曜日

イヴ・サンローラン美術館 in Paris

パリはいつ行っても美しい場所に溢れているが、中でもイヴ・サンローラン美術館は、パリらしいエレガンスと美しさを感じられる場所だと思う。

16区にあるこの建物は、1974年から2002年までサンローランがコレクションのデザインを行っていた場所。その後、ピエール・ベルジェ - イヴ・サンローラン財団の本部として、以前から小規模なアートの展示等を行っていたが、2017年10月にサンローランにフォーカスした美術館として生まれ変わった。同時期にモロッコのマラケシュにももう一軒のイヴ・サンローラン美術館がオープンしている。


美術館は、サンローランの作品とそのクリエイティビティに迫るだけでなく、今では過去のものになってしまった20世紀の「オートクチュール」の伝統と、それに付随した生活様式を紹介する役割も担う。

2019年1月27日までは「Yves Saint Laurent:  Dreams of the Orient (東洋の夢)」という企画展を開催中。サンローランが日本、中国、インドから受けたインスピレーションを反映したドレスの数々が展示されている。


ドレスの美しさもさることながら、サンローランのアート作品のようなデッサンの美しさにも目を惹かれる。


美術館にはデザイナーのアトリエも再現されている。

女性をより美しく、優雅に見せることを追究したサンローラン。そのドレスを身に付けたらどんな女性でもエレガンス溢れる振舞いになったに違いないと、サンローランの魔法を見た気がした。

2018年11月25日日曜日

メゾン・アトリエ・フジタ

今年2018年は、藤田嗣治の没後50年に当たり、日本でも回顧展が東京と京都を巡回している。それは彼が後半生を過ごしたフランスでも同じで、各地で彼の作品の展覧会が開かれている。

回顧展を見て、もしくはそうした話題に触発されて、改めて藤田作品の魅力に惹かれた人も多いと思う。そういう人には特に「メゾン・アトリエ・フジタ(Maison-Atelier Foujita)」を訪れることをお勧めしたい。いわゆる「画家のゆかりの地」はあまたあれど、画家の息吹を感じられる場所はそう多くはない。ここはまさにフジタの息吹を感じられる場所だと思う。

パリから南西に車で小一時間のVillier-le-Bacleという静かな町。ここにフジタが晩年を夫人と暮らした自宅兼アトリエがある。

メゾン・アトリエ・フジタは、画家の没後、夫人がエッソンヌ県に寄付し、現在は歴史的記念物に指定され、保存・公開されている。家の中はスタッフが案内するツアーで見学する。土日は予約不要、平日は5名以上のグループなら予約して見学が可能。案内は基本的にフランス語だが、日本語や英語のオーディオガイドも用意されている。オーディオガイドではフジタが晩年に録音した肉声も聞ける。

18世紀に建てられた小さな3階建ての家は、フジタと夫人が暮らしていたそのままに残っており、庭にはフジタが植えた木も生き生きとしている。シンプルながら几帳面に整えられた室内には、フジタの生活に対するこだわりと、アーティストとしての遊び心が反映されている。

1階はキッチンとダイニング。キッチンには60年代っぽいレトロな道具が整然と並び、壁のタイルはフジタ自身が絵を描いたもので補修されている。



庭を見下ろす2階には寝室とリビング。小ぶりなベッドと、その横に掛かったベストとシャツに、フジタは小柄な人だったのだと想像する。

暖炉の脇の飾り棚に置かれたレコードプレーヤーには、美空ひばりのLPがかかっていた。とてもフランス的な空間に時折覗く日本。

そしていよいよ3階のアトリエへ。

まるでついさっきまで仕事をしていた画家が、ちょっと席を外しているだけのようで、50年も経過しているとは思えない。無造作に置かれたペンや道具の傾きひとつをとっても、フジタが置いたそのままであるかのようだ。ほこりをかぶらないようよくメンテナンスされているのもわかる。そのお蔭もあり、ここは過去の場所ではなく、今も進行形であるかのような空気がある。


奥の壁一面には、フジタがカトリックの洗礼を受けたシャンパーニュ地方のランスで、1965年から66年にかけて制作したノートルダム・ド・ラペ礼拝堂の壁画の下絵。当時80歳近かったフジタの最晩年の作品の一つで、下絵と言ってもその緻密さと迫力は下絵の域を超えている。周りに置かれた使いかけのパレットなどの道具に、ここに立って制作をしていたフジタの姿がイメージできる。ランスの礼拝堂は4月から9月までしか開いていないが、ここでは一年中、この絵を間近で見られる。


アトリエの片隅には、フジタが描いた落書き(?)が。
この家は18世紀に建てられ、フジタ夫妻が1960年10月14日から所有者になったことがイラストとともに記されている。

パリに戻る前に、メゾン・アトリエ・フジタから車で10分くらいのChateau du Val-Fleuryへ。ここでも小規模だがフジタの展覧会があった。

 「Foujita Moderne」と題されたこの企画では、フジタの大型の作品と、エッソンヌ県の現代アートコレクションを一緒に展示している。



フジタワールドに浸ることができたショートトリップだった。


2018年9月2日日曜日

藤田嗣治展

東京都美術館で開催中の「藤田嗣治展」を見た。没後50周年を記念しての大回顧展。確かに藤田の作品はあちこちの美術館で目にするが、これほど多くの作品を体系立てて鑑賞する機会はこれまでなかった。

藤田と言えば「乳白色」が代名詞。この展覧会でも1920年代の肖像画を集めた「『乳白色の裸婦』の時代」というコーナーが一つの山場となっているが、彼の人生全体の文脈の中ではそれは一つの時代であり、むしろ、各時代の彼の境遇や社会情勢などを重ねながら全体を鑑賞すると、乳白色以上のものが印象に残る。

特に切なく印象に残ったのは、キービジュアルになっている「カフェ」という作品。エコール・ド・パリの寵児として華やかな時代を過ごした藤田は、戦争でパリから日本に戻り、戦時中は「アッツ島玉砕」などのいわゆる戦争画を描いた。そのせいで終戦後、戦争協力者よばわりされ、日本を離れる。すぐにもフランスに戻りたかったが入国許可がなかなか下りず、しばしニューヨークに滞在する。そのときに描いたのがこの「カフェ」。すぐ目の前にある風景を描いているようだが、そうではなく、文化も風景も言語も違うアメリカの地で、パリの記憶を呼び起こしながら描いたのだろう。故郷に対する「郷愁」とは少し違う、過ぎてしまった時代や、戦争に巻き込まれる前の自分、遠く海を隔てたところにある美意識などに対する追憶が背景にある気がした。

キャラクターとの質感のギャップがすごい…

一方、1930年代の南米時代の作品は、全く藤田らしくなく、毒々しい色使いで描かれている。他の鑑賞客が「これ、全然良くないわよね。出さなきゃいいのに。」と話していたが、絵にサインもしていないことから、作風が変わったのではなく敢えてキッチュな作品を描いていたと思われ、それがまた、藤田の守備範囲の広さと柔軟性を示していて興味深い。

藤田は触感や質感を描くのにもすごく長けていた。猫などの動物は見ているだけで、柔らかさや、毛並みに沿って撫でたときのつやつやした手触りが思い出せる。

もう一つ印象に残ったのは「機械の時代(アージュ・メカニック)」という1958年の作品。今から60年前の子供たちが、当時の最先端の機器で遊んでいる様子を描いたもので、それぞれダイヤル式の電話、掃除機、ミシン、飛行機、電車などなどを手にしている。
(絵はこちらで見られます http://parismuseescollections.paris.fr/fr/musee-d-art-moderne/oeuvres/age-mecanique#infos-principales
当時としてはかなり未来的な絵だったのではないか。今見ても、不気味なくらい未来的。タイトルにある「機械」は当然、子供たちが手にしている道具だったはずだが、この無表情な子供たちを見ていると、「え?そっち?」と思えてくる。AIが道具を手にして遊ぶ未来図だろうか…。

この回顧展は東京、京都を巡回予定。必見の展覧会だと思う。