「ソル・ルウィット： Open Structure」 in Seoul

ソウルのアモーレパシフィック美術館で開催中の「SOL LEWITT: OPEN STRUCTURE」展を見た。今年4月まで東京都現代美術館でやっていた展示の巡回展。

美術館は国の化粧品メーカーの本社ビル1階にある。建築はデヴィッド・チッパーフィールド。真ん中が大きく空いたデザインが目を引く。

ソウルでの展示はウォールドローイング13点を含む全45作品で構成。ルウィットの特徴は、作品のほとんどがルウィット以外の人の手によって完成されたもので、でもそれが紛れもなくルウィットの作品だということ。

線、格子、立方体、モジュールなどの要素に明確なルールを与えれば、コンセプトが作品になるというのがルウィットの考え。上の写真右側の「Wall Drawing 786A」は、壁面を格子状に分割し、各マスの中に8種類の弧をうちの2つを規則に従って組み合わせたもの。（同じ方法で制作された作品が東京国立近代美術館でも常設展示されている。）この作品が最初に展示されたのは1995年だが、今回展示されているものは展覧会の直前にローカルスタッフたちが制作した。

ルウィットは2007年に亡くなったが、彼の「アイディアは芸術を生み出す機械となる」という言葉通り、ルウィットのアイディアはロジックに基づいた指示書を通して、今でもルウィット作品を生み出し続けている。作品は展示が終わると都度撤去される。いつも新しく作られ、朽ちることなく、どんなに大きな作品も保管の心配がなく、同じ作品を複数の場所で同時に展示することだってできる。ものすごく細かくて時間がかかる作品も誰かが作ってくれる。

音楽も最初の譜面があれば同じメロディーは再現できるが、演奏する人によって全く違ったものになる。でもルウィットの作品にはその余地がない。同時に、会場の広さに応じてサイズ可変という柔軟さは残し、美しい展示を実現させている。

1980年代にイタリアでルネサンス時代のフレスコ画に刺激を受けて制作したウォールドローイングは、動きのある構成と微妙な色合いが印象的。これは赤、黄、青、グレーの顔料をあらかじめ決められた順序で壁にたたきつけることで実現したという。気が遠くなりそうな作業と向き合う制作担当者に心から敬服。

晩年は、更に色や曲線の遊びが見られるようになったが、ここにもロジックはあるらしい。

いわば「死なないアーティスト」になるシステムを考案したルウィット。AIがなくても、優れたアイディアはプログラムとして有効に機能し続ける。

「Visionary Journeys」展 in Seoul

ルイ・ヴィトン製品は数えるほどしか持っていないくせに、ブランドの「Visionary Journeys」展は大好きで、機会があるごとに行っている。去年はバンコクと大阪へ。そして今回はソウル。

会場は新世界百貨店にある「LV the Place Seoul」。事前に予約して行った。日本人も多い。5階で受付を待つ間、スタッフが日本語で一人一人に「エコバッグをひとり『2冊』まで買うことができます。どうしますか？」と聞く。エコバッグを2冊？ 単位が気になったがそこはスルーして、どんなエコバッグかわからないので見て決めればいいやと1つだけ予約。でもほとんどの人が2つ予約している。エコバッグって結構色々なところでもらうので、気に入ったものだけ残して処分しても（それ自体すでにエコではない）、家には20以上あると思う。とても2つも買う気にはなれない。

さて、展示は他都市と同様に、まずはルイ・ヴィトンのオリジン、旅に関する歴史から。19世紀の創立時からの旅行カバンの数々が並び、壁や天井には昔の広告が展示されている。旅行用にあつらえた大きなケースをいくつも持っていくことが贅沢だった100年前、旅は今よりずっと効率が悪く大変だったに違いないが、ちょっと憧れる。

見ていると、後から入ったローカルの人たちがどんどん追い抜いて、展示もろくに見ずに出口に向かっていく。え、これ見に来たんじゃないの？ と不思議に思う。

「パーソナライゼーション」のコーナーでは、すでに20世紀初頭に、顧客が自分の荷物を識別できるようラインやマーク、イニシャルを入れるカスタムサービスを行っていたことが紹介されている。お洒落！

「アイコン」は各時代を象徴する製品のアーカイブ。ガラスのカプセルに入ったバッグが並ぶ。

ソウルには他の都市の展示にはなかったコーナーもいくつかあり、「ミュージック」もそのひとつ。なんとギターまで作っていた（ギブソンとのコラボ）。

「コラボレーション」は草間彌生や村上隆など、アーティストとのコラボの紹介。この鏡の間は他の会場でも見たけど、やはり目を奪われる。

ブランドの歴史と哲学、そしてビジュアルの美しさに満ちた展示。

展示が終わるとショップに出る。ここでエコバッグを見せてもらうと、グリーンのエコバッグ付きの展覧会のカタログだった。だから「冊」だったわけね、と納得。そして値段を聞くと日本円で4,000円ちょっと。これで皆が「2冊」買っていたわけも、鑑賞もそこそこにショップに向かう人たちがいたことも合点がいった。なるほど。4000円で「ソウルのルイ・ヴィトン限定商品」が手に入るならかなりお得。

バッグもかわいいけど、私はカタログが欲しかったので「エコバッグ付きのカタログ」を購入することにした。でも人によっては価値はエコバッグのほうにある。

あとでメルカリを検索したら案の定、エコバッグは約2倍の相場で売られていた。

ショップに話を戻すと、ここには世界で4店舗しかないLVのチョコレートショップがあり、LVらしい遊び心あるチョコレートが並ぶ。お値段はちょっとびっくりするものから、すごくびっくりするものまで。

グリーンのエコバッグは夏服のほうが合わせやすそうなので、私は来年まで取っておいて使おうと思っている。エコバッグが欲しい方、連絡くださってもお譲りしませんので！

ソウルの最新アートスポット ポンピドゥー・センター・ハンファ

2026年6月にソウル・汝矣（ヨイド）島にオープンした「Centre Pompidou Hanwha」へ。パリのポンピドゥー・センターと韓国企業ハンファのパートナーシップによる最新の美術館。

漢川の中州の汝矣島は政治経済の中心地。ランドマークは63ビルという高層ビルで、美術館はその低層部にある。

建物はフランス人建築家のジャン＝ミシェル・ヴィルモットのデザイン。「光に満ちた美術館」と紹介されている通り、曲線的なガラスのファサードから自然光が屋内に透けて入り、優しい明るさが心地よい。

10月4日までオープニング企画展「The Cubists:  Inventing Modern Vision」を開催している。現在休館中のパリ本館のコレクションから厳選した作品を展示し、キュビスムの1907年から1927年までの20年間を時系列で追う。それに加えてキュビスムが韓国アートに与えた影響を振り返るソウルならではの展示もある。

ピカソとブラックの二人がキュビスムを誕生させ、それにパリのアーティストたちが続いてブームになり、やがてフランス国外にも拡がって発展するが、第一次大戦で断絶。戦後にはアーティストたちがそれぞれの方向性を模索する中、キュビスムは様式として継承され、実験の時代が終わる、といった流れが、二つの広い展示室をフルに使い8つのセクションで紹介されている。ピカソ、ブラック、グリス、レジェ、ローランサン、ル・コルビュジェなどなど、時代を代表するアーティストたちの作品が贅沢に並ぶのはさすがポンピドゥー。

展示は緩やかな曲線に沿って、次のセクションも視界に入るオープンな構成で進む。行った日はたまたま「Culture Day」という入場料半額の水曜日だったので普段より来場者は多かったかもしれないが、スペースが広いので混み合うことはなく、皆それぞれのペースで鑑賞していた。こういう会場は、好きな作品にもう一度近づいてみたり、じっくり解説を読んだりしやすく、滞在時間が長くなる。

特別セクション「Korean Focus」は第2展示室のメザニン部分（3階）にある。韓国が日本統治下にあった1930年代、海外のリアルタイムな情報が極めて限られていた中、芸術家を目指す韓国の若者たちは日本留学を通じてキュビスムを含む西洋の前衛美術に触れ、それが文学や舞台芸術、そして韓国の現代美術の基礎に大きく影響したこと、そして朝鮮戦争後にキュビスムは韓国独自の表現で開花したことなどが紹介されていた。

美術館2階には庭園に面した明るいカフェもある。

ビルに囲まれてひっそりとある庭園は美術館の外からアクセスでき、入場無料。韓国人アーティスト3名の彫刻作品が展示されていた。

観光地から離れているのも一つの魅力。居心地のいい美術館だった。

迎賓館赤坂離宮と藤田嗣治

藤田嗣治生誕140周年を記念した特別参観が迎賓館赤坂離宮で開催されている。通常公開されていない「貴婦人と召使い」と「ポプラ並木の女性と楽士」の2点も含め、迎賓館が所有する全6点の藤田作品が見られる。

6点は全て1935年に洋菓子店「銀座コロンバン」の天井画として、藤田のパリ時代の友人だった同店の創業者の依頼で制作された。18世紀ロココ様式の画家、アントワーヌ・ヴァトーへのオマージュとされ、思いっきりフランスっぽい。

パリ画壇で大成功をおさめた藤田は、その後渡った南米でも個展が賞賛され、1933年に日本に帰国。当時は壁画がブームで、芸術を人々に身近なところに置きたいという藤田の思いもあり、これらの作品を手掛けたらしい。

藤田の天井画は戦時中は疎開・保管されていたため幸運にも焼失を逃れ、のちにコロンバンから迎賓館に寄贈された。

思いっきりフランスっぽいのは建物もしかり。迎賓館赤坂離宮本館は1909年に東宮御所として建てられた国内唯一のネオ・バロック様式の宮殿建築で、国宝に指定されている。「壮麗」という言葉がこれほどぴったりな建物を日本で他に思いつかない。

絢爛豪華な館内もヨーロッパの宮殿としか思えない。でも部屋ごとに様式が異なり、通常非公開の藤田の2作品が展示されているのは「花鳥の間」という、公式晩さん会などが開かれる部屋。天井画はフランス人画家の手によるものだが、板張りの壁には花や鳥を描いた七宝焼の額が30枚並び、本館の中では最も日本の要素が感じられた。

折角なので「和風別館」も見学した。外国の賓客を和の空間でもてなすための施設として、谷口吉郎の設計で1974年に建てられた。こちらは予約が必要で約1時間のツアーに参加する。広間と茶室は、金沢の「谷口吉郎・吉生記念　金沢建築館」にも再現されている。

迎賓館赤坂離宮本館が建てられた20世紀初めは、西洋に追いつくことが先進国の証明とされたような時代。もしも今、一から迎賓館を作るとしたら、本館と別館のどちらが和風になるだろうかなどと考える。でも欧米での成功を身にまとっていた藤田の絵は、今の本館にしっくり収まっていることは間違いない。

（今回の特別参観は2026年9月15日まで）

大山崎山荘美術館

京都駅からJRで約15分の山崎に、「アサヒグループ大山崎山荘美術館」がある。

京都駅まで乗ったタクシーの運転手さんに山崎に行くと言ったら、「サントリーですか？いいですね」と言われ、飲料メーカー名が一瞬ごっちゃになって「ええ、そうです」と答えそうになったが、あちらは超人気のウィスキー工場。最初から山崎に酒造メーカーが集まっていたわけではなく、美術館は元々、実業家の加賀正太郎の別荘として建てられた。その加賀が、現在のサントリー山崎蒸留所の初代所長だった竹鶴政孝（「マッサン」のモデルになった人）が北海道でニッカウヰスキーを興した際に参画して筆頭株主になり、後年その株式をアサヒビール初代社長・山本爲三郎に託したことが今の美術館につながっている。山崎の水とウィスキーが繋いだ縁。

山崎駅からはシャトルバスが運行している。Googleマップでは徒歩13分。「歩けるじゃん」と思うかもしれないが、目的地は「山荘」だということを忘れてはいけない。駅から美術館まではずーっと上り坂。体力に自信がある人以外は迷わずシャトルに乗りましょう。シャトルに乗っても、降車するトンネル前から建物までの300mほどの上り坂は歩くしかない（これで十分だと思った）。

坂を上り切ったところの門を抜けるとクラシックな英国風の本館が見える。京都の中心部と比べたら決してアクセスがいいとは言えない美術館に、平日の午前中から幅広い年齢層の人が大勢訪れていた。100年以上前に建てられた山荘は、取り壊しの危機を乗り越え1996年に美術館として再生された。建物内はヨーロッパの小洒落た山小屋を思わせ、テラスからは当時とそれほど変わっていないであろう自然の風景を臨める。定時に演奏される２階の大きなオルゴールは、客人をもてなす贅沢な娯楽だったのだろう。

今年2026年は開館30周年に当たり、記念の企画展が二つ開催されている。ひとつは「共鳴　河井寛次郎×濱田庄司」。もう一つは「クロード・モネ展」。同館の2大主要コレクションの民藝とモネを展示している。

民藝は前述の山本が支援していたため多数の作品があり、今回も200点以上が本館を中心に展示されている。時代も重なる木造の山荘と陶芸作品は相性が良い。実際にここで使用されていたわけではなくても、日常の中での器の姿が想像できた。

モネは「地中館」という別館にある。一目でわかる安藤忠雄建築。ガラスの回廊のコンクリートの階段を半地下の展示室へ降りていく。所蔵するモネ作品全8点が2期に分けて6点ずつ、円形の展示室の壁にぐるりと展示される。美術館が所蔵する5点の睡蓮のうち4点は、モネがのちのオランジェリー美術館の睡蓮につながる「大装飾画」の構想を練っていた頃に制作されたもの。1辺が2メートルの大型の作品もあった。

鑑賞後は庭園も一回り。モネの絵とはだいぶ雰囲気が違うが、睡蓮が咲く池もある。

ちょっとした遠足気分の美術館だった。必ず歩きやすい靴で！

「杉本博司 絶滅写真」展

東京国立近代美術館で開催中の「杉本博司　絶滅写真」展を見た。約60点の銀塩写真がほの暗い照明の下に展示され、瞑想のような鑑賞体験だった。

初期の作品から最新作までの中で、特に印象に残ったシリーズについて。

まずは「海景」。湾曲した壁の展示室は、オランジェリー美術館のモネの睡蓮の部屋を思わせる。ここでは一枚の大きな絵ではなく、複数の海景が並ぶが、すべて同じ構図で水平線の位置が揃っているせいか、ひと続きの海のように感じる。そもそも海は続いているのだから当然かもと思いながら近づくと、青色が排除されたモノトーンの海はそれぞれ質感が違う。シルクのような海もあれば、金属のような海も。

「劇場」は一瞬を捉えたスチル写真のシリーズだと思っていたが、映画を一本上映する間、ずっとシャッターを開いて撮影したものだと今更ながら知った。写真ではスクリーンは白く光って見えるだけで、何が上映されていたのかわからないが、そこに物語と時間が凝縮されているなら、それ自体が化石のようだと思う。

全体に静謐という言葉がぴったりな展示空間は無駄話など許されない雰囲気もありつつ、作品に添えられた杉本氏の短歌や狂歌には、時に駄洒落も混じっていたりしてクスリとさせられる。

マダム・タッソー蝋人形館で撮影された「肖像」シリーズも、昭和天皇、ダイアナ妃など、そのリアルさに驚く。元の蝋人形がかなり精巧にできているにしても、カメラを通して増幅する「生身」感。本物って何？

サテライト展示として、東京国立近代美術館所蔵の全杉本作品と「スギモトノート」が所蔵品ギャラリーで見られるので、そちらもお忘れなく。

「絶滅写真」の英語タイトルは「Extinction」のみ。何が絶滅して、何が残るのか。人類が絶滅しても、海はあのままあり続けるんだろうか、などと静かに思いを巡らせた。

「ピカソ meets ポール・スミス」展

ピカソの展覧会は常に世界のどこかで開催されていると思うが、国立新美術館で開催中の「ピカソ meets ポール・スミス」展は、どんなピカソ展よりカラフルでお洒落だった。

ポール・スミスが会場の装飾を手掛けるという、ちょっと意表をついた設定のこの展覧会は、パリ国立ピカソ美術館で2023年に開催された没後50周年記念展の巡回展。その時のタイトルは「Picasso in a New Light」。時系列に沿って時代ごと題材ごとに展示する美術展のオーソドックスな方法を遵守しつつ、スミス自身が当時のインタビューで語っていたように、「決して立ち止まることなく、革新的でクリエイティブで、常に実験をしていた男を、ありきたりではない方法で見せる」ことがテーマだった。

今回の東京での展示も確かにありきたりではない。目を奪うポップなビジュアルは、展示されたピカソの作品とその時代の特徴を直感的に解説する役割を果たしている。例えば、青の時代は青い部屋、闘牛は赤い部屋、コラージュは壁紙を張り合わせた部屋、といったように、すごくわかりやすい！

ピカソがファッション誌の写真に落書き（？）した作品は、部屋一面がVogueの表紙で埋め尽くされた「Vogue部屋」に展示されている。1950年代の最先端ファッションと、ピカソが手を加えて生まれたグロテスクさの融合が面白い。

全作品写真撮影OKの会場で最も人気だったのは「アルルカンに扮したパウロ」のコーナー。画中のパウロの衣装と同じブルーとイエローの柄の壁（と人だかり）は、遠くからでも目を引く。

16の部屋に分かれた会場を進むごとに違う風景が現れ、あっという間に最後の部屋。締めくくりは、生前に開催されたピカソの展覧会の膨大な数のポスターだった。まさに立ち止まることがなかった芸術家の70年間の驚異の軌跡。

この展覧会は二人のアーティストの時を超えたコラボレーションでもあり、ピカソへの愛に溢れたオマージュでもある。心地よい余韻ある展示だった。