Foujitaを見に軽井沢へ

軽井沢安東美術館は藤田嗣治の作品約300点を所蔵し、藤田作品だけを展示している個人ミュージアム。軽井沢駅から徒歩10分弱なので、東京から新幹線で日帰りもできる。

現在開催中の企画展「藤田嗣治からレオナール・フジタへ -祈りの道-」では、フランスのランス美術館のコレクションから日本初公開作品を含む40点以上の作品が来日。藤田がフランスに帰化した後、1959年にキリスト教の洗礼を受けカトリック教徒となった以降の作品を中心に展示している。ランス美術館は改修のため休館中なので、二つの美術館のコレクションを合わせた展示を見られるのは今しかないかもしれない。

目玉のひとつは「聖母子」。藤田がレオナール・フジタの洗礼名を受けて最初に制作し、ランス大聖堂に献納した作品で、サインは洗礼を受けた日付になっている。

藤田が日本国籍を捨ててフランスに帰化した当時、日本の新聞は「藤田が日本を捨てた」と報道した。しかし藤田としては、日本のほうが自分を捨てたと思っていた。

1920年代にパリのアート界を席巻した藤田は、その後日本に戻り、日中戦争では従軍画家として、第二次世界大戦では陸軍美術協会理事長として戦争画を描いた。国のために尽力した藤田だったが、敗戦後には「戦争協力者」のレッテルを張られ、手のひらを返した美術界からも糾弾された。形勢が変わると正義は簡単に変わる。藤田の胸中は察して余りある。そんな日本に嫌気がさして再渡仏した藤田は、宗教画に傾倒していく。

展示のもう一つの目玉は、やはりランスにあり、藤田が最晩年に全エネルギーを注いだシャペル・フジタ（フジタ礼拝堂）のフレスコ画の再現。その建設のためのデッサンも展示されている。本家のフジタ礼拝堂は5月から9月のみのオープンで、時期を選んで行かないと見られない。

またこのフレスコ画の下絵（といってもほぼ完成版に近い）は、パリ郊外のヴィリエ・ル・バクルにある藤田の元住居兼アトリエの「メゾン・アトリエ・フジタ」で見ることができるが、ここも現在閉館中。

ということで、現在見られないフランスの藤田作品が軽井沢に集結しているといっても言い過ぎではない。何気なくやっている展覧会のようで実はすごい。

コレクションルームでは藤田のトレードマークとも言える乳白色の肌の女性、猫、少女を描いた作品の他、モディリアーニの影響を受けた初期の作品など、幅広い作品が見られる。

個人宅をイメージした内装は温かみがあり、化粧室の壁紙さえ素敵だった。ゆっくり鑑賞した後は、併設されたハリオ・カフェでランチかお茶をしてから帰るのがお勧め。

ランス美術館のほうは2027年にリニューアルオープンの予定で、藤田作品だけを展示するギャラリーもできる。その前に軽井沢を訪れておくと、点が線でつながるように理解が深まるかもしれない。（現在の企画展は2026年1月4日まで。）

イサム・ノグチ庭園美術館と、デザインの街・高松

先日、香川県高松市にあるイサム・ノグチ庭園美術館を訪れた。

ニューヨークと日本を行き来していたノグチが日本の拠点としていたアトリエ兼住居で、高級石材の庵治石の産地として知られる牟礼（むれ）町にある。美術館の周りの石材業者の敷地にも立派な石が並び、美術館の一部かと見紛う。

見学は事前予約制。20人くらいのグループに分かれて案内される。見学箇所は大きく3か所で、ノグチの住居だった「イサム家」とそれに隣接した彫刻庭園、「あかり」が展示された資料館、そして「マル」と呼ばれる円形の石壁に囲まれた作業場と展示蔵を順に廻る。

ノグチと高松を結んだのは香川出身の画家・猪熊弦一郎。中学の後輩だった当時の金子正則香川県知事にノグチを紹介した。ノグチがこの土地にほれ込んだ理由は、ここで取れる庵治石より、むしろ石工たちの技術の高さだったらしい。実際、ノグチがここで制作した彫刻は、庵治石よりも海外など他の土地から取り寄せた石で作られたものが多い。

空の青さや自然の美しさにもノグチは惹かれたのだろう。彼が残した彫刻が並ぶ作業場は周囲の借景と見事にマッチして、ノグチの美意識に溢れている。ああ、美しいな、ここで作品制作をしていたノグチは幸せだったんだろうな、と思えた。しかしこの美術館は残念なことに受付の建物以外は写真撮影禁止。こんなにきれいなのにもどかしい！ でも、彼の美へのこだわりを全身で感じられた体験だった。（一方、ニューヨークのイサム・ノグチ庭園美術館は写真撮影ウェルカムらしい。）　

さて、高松の見どころはイサム・ノグチだけではない。前述の金子前知事は「デザイン知事」とも呼ばれ、彼のイニシアティブで香川は「アート県」の地位を確立していった。

猪熊氏と金子氏を中心として、香川でイサム・ノグチ、谷口吉生、流政之などを含むアーティストネットワークが形成されたというのも興味深い。そういう点で高松は当時、東京や京都よりも進んだ文化都市だったのだろう。

代表的な例は1953年竣工の香川県庁舎東館。丹下健三のモダニズム建築を、猪熊弦一郎の陶板壁画「和敬清寂」が飾る。ロビーのベンチは今や有名な家具メーカーの桜製作所が手掛けた。

更に遡ること300年。高松藩主・松平家が100年かけて完成させた栗林公園にも美が結集している。ここにデザイン・マインドの原点となるDNAがあったのかもしれない。ちなみに栗林というのは名ばかりで、実際は1000本の松の木が幅を利かせている。

2027年にはマンダリン・オリエンタル高松のオープンも予定されている。ますます高松から目が離せないが、ゆっくり観光するなら今のうちかもしれない。

Happy 60th Birthday, Singapore!

今年はシンガポール建国60周年。8月9日の「ナショナル・デー」を中心に、パレードや花火など様々なお祝いイベントで盛り上がっている。その一環としてマリーナベイのOne Fullretonには、アーティスト Yip Yew Chong氏のインスタレーション「Postcard Stories」が9月末まで設置されている。

同氏は古き良きシンガポールを描いたノスタルジックで細密な壁画で知られ、作品は街中のあちこちで見られる。もともと平面の壁画だけでも立体的に見せる技術を持つ人だが、今回は全長32mの壁画に椅子やテーブルなど小道具をプラスし、まさに昔の絵葉書のようなシンガポールを再現している。

7月初めに立ち寄った際は、2週間後の完成に向けて制作を始めたところだった。Yipさんの制作風景を見られたのは収穫だったが、まだ下絵も全体の半分くらいしかできていなかった。

出来上がった作品からは当時の雰囲気や音、匂いまで伝わってきそう。

1980年代の「Change Alley」という通りには土産物店や両替商が並び、港に降り立つ旅行者を迎えていた。眼光鋭い両替商のおじさんの表情に、だまされないようきちんとお金を数えなきゃ、という緊張感を思い出す。

人が絵に溶け込んだかのような写真を撮れるのがYipさんの作品の特徴。ここも記念写真を撮る人がひっきりなしで、特に猫と一緒にボートに乗る構図が大人気だった。

下の写真は1920年代から90年代まで存在していた郵便局を再現したコーナー。現在、その建物はフラトン・ホテルになっている。

真ん中のカウンターには、シンガポールに宛てたバースデーカードがあった。こういうディテールにシンガポールへの愛を感じる。Happy 60th Birthday, Singapore!

「Visionary Journeys」展 in 大阪

今年5月にバンコクのルイ・ヴィトン店舗に併設されたスペースで「Visionary Journeys」展を見た。視覚的インパクトと、LVのオリジンと革新のストーリーが詰まった魅力的な展示だった。

その展示が今、大阪中之島美術館に来ている。この間もバンコクの展示は継続しているので巡回とは言わないのだろう。今回の展示は、1867年のパリ万博以来のルイ・ヴィトンと日本とのつながりに焦点を当て、大阪・関西万博に合わせて大阪で開催するために構成したもの。ブランドのエキシビションは入場無料のイベント的なものが多いのに対し、美術館で有料で開催していることも一線を画している。

入場を待つ間、見上げると吹き抜けの天井からLVロゴのトランクを連ねた和紙のランタンが。下ばかり見ているとLVワールドの始まりを見逃してしまうので注意。

展示の入口はLVの象徴ともいえるトランクのドーム！　皆「きゃあ」と言って入場するより前に写真を撮りまくるのは必至で、係の人が「先にご入場くださーい！」と叫ぶが、すでにLVの魔法にかかった人たちはもう夢中。このドームは万博のフランス館で展示されているLVのトランクのスフィアとも似ている。

万博フランス館の展示

展示はメゾンの19世紀の創設から、社会や輸送手段の変化とともに発展してきた歴史を、各時代のアイコニックな製品の数々とともに紹介していく。この流れはバンコクの展示と共通しているが、規模は大阪のほうが断然大きく、資料を含む1000点以上の展示品が12のコーナーに分けて展示されている。LVの自社アーカイブだけではなく、フランスや日本の他の美術館から借り受けたものも多い。

「ルイ・ヴィトンと日本」のコーナーでは、日本がLVのデザインに与えた影響や、日本ならではの製品が見られる。パリ万博で起こったジャポニスムブームの後、LVは日本の版画のジグソーパズルを発売していたというのも面白い発見。80年代の山本寛斎とのコラボファッション、もっと近年では甲冑をベースにしたドレスや鯉のぼりのバッグなど、日本を様々な形で取り入れた製品のほか、ひな人形ケースやお茶道具ケースなど日本らしいオーダーメイドも。

更に「モノグラム・キャンバスの歴史」の展示でも興味深い指摘がある。1889年にパリのギメ東洋美術館で展示された江戸幕府の第11代将軍徳川家斉が使っていたトランクが、モノグラム・キャンバスのデザインに影響を与えたのではないか、という説。確かに似てるかも。推測の域を出ないが、もしそうだったらと考えると、この徳川トランクも急にお洒落に見える。

1897年に商標登録された記念すべきモノグラム・キャンバスのサンプルも展示されている。

こうした歴史展示の他、メゾンで働く職人さんたちの実演や、商品耐久試験も見られ、実際に商品がどのように、どんな基準で作られているかがわかる。

ボリュームある展示だったが、日本との関係という切り口が時代と文化、そしてファッションの変遷をよりイメージしやすいものにしてくれた。見ごたえあり。

展示会場を出るとすぐにルイ・ヴィトンの展覧会特設ショップがあった。展覧会入場者しか入れないにも関わらず60分待ち！（万博か…）　1時間以上展覧会を見た後の私にはそこまで待つ気力はなく、スルーした。絶対にショップに行きたい人は、鑑賞中もエネルギーを取っておいたほうがいい。

（大阪中之島美術館のVisionary Journeys展は2025年9月17日まで）

「City of Others」異邦人アーティストたちのパリ

シンガポールのNational Galleryで開催中の「City of Others:  Asian Artists in Paris,  1920s - 1940s」展を見た。ワンフロアを丸ごと使い、日本、中国、ベトナム出身のアーティストたちにスポットを当てている。

20世紀初頭のパリで活躍したアジア人アーティストというと、藤田嗣治や佐伯祐三といった日本人画家が真っ先に浮かぶが、逆に言うとそれ以外のアジアのアーティストのことはほとんど知らなかった。でもこの展覧会を見ると、他にも多くの日本人やアジア人アーティストたちが異文化の中に飛び込み、「外部者」としての立ち位置と自らのオリジンを巧みに活かしながら、当時のパリのアートシーンで確かな地位を築いたことがわかる。

日本人のうちの一人は漆芸家として活躍した菅原精造。写真はデザイナーのアイリーン・グレイとの共作のキャビネットで、家具職人はおそらく稲垣吉蔵とされている。菅原も稲垣も日本では知名度は高くはないと思うが、調べると二人ともすごい人たち。菅原は、ル・コルビュジェがその才能に嫉妬したというグレイに漆芸を教え、稲垣はロダンが最も信頼していた助手だった。

グラフィックデザイナーとして成功した里見宗次のポスターも、何ともかっこいい！現代でも通用する洗練されたデザインが目を引く。日本の国鉄のポスターはパリ万博で賞も取った。日本が誇るべきデザイナーを、当時どれほどの日本人が知っていただろう。

ベトナムのLe Pho の肖像画は、パッと見てベトナムっぽい！と感じる女性二人の絵。なぜベトナムっぽいのかと聞かれると、いや、何となく…となってしまうのだが、そこもこの人の上手さなのだろうと思う。

シンガポール人のGeorgette Chenは、4か月間のプロヴァンス旅行でセザンヌやゴッホの足跡をたどりその影響を受け、バランスのいい鮮やかな風景画を描いた。

この時代を語るに欠かせない藤田嗣治の作品も複数。日本各地の美術館のほか、休館中のリヨン美術館の収蔵品も見られた。

しかし時代は二つの大戦のはざま。芸術の華やかなエネルギーの裏には激動の社会情勢と不安があった。フランス国内では植民地政策推進派と反対派が対立し、どちらのプロパガンダにもアートが利用された。

第二次大戦に入ると、国に帰った者もフランスに残った者もいたが、戦争が終わってもかつてのアジアン・アーティストたちが築いた黄金時代は戻ってこなかった。

ダイバーシティなどという共通語がなかった時代。「よそ者」でありながらフランスのアートシーンに溶け込み、影響を与えたアーティストたちのすごさに静かに圧倒され、華やかな時に想いを馳せた。

チェルシーでアートギャラリー巡り

週末にニューヨークに滞在するなら、チェルシー地区に行くのが楽しい。質の高いアートギャラリーが密集していて、多くは気軽に立ち寄れる。特に10thと11th Avenue の間の22丁目から24丁目がいい。

ギャラリーの多くは土日を含む週の後半だけ営業し、何らかの企画展示をしている。ミュージアムクオリティの展示も少なくない。週末はカップルや家族連れなどあらゆる年代の人がこの辺を歩き、気になるギャラリーに入ってはまた次のギャラリーに向かう。ギャラリストもこちらから質問しない限り放っておいてくれるので、自分のペースで見られる。

今回特に賑わっていたのは21丁目のGagosianでの村上隆の展示。広い展示スペースに、歌川広重の江戸百景の浮世絵を村上氏がコピーしたキャンバス121枚が並ぶ。テーマはアートの「バッククロシング」。二つの種の交配で生まれた後代に、最初の両親の片方を再度交配するということらしい。そう言われてすぐに消化できているわけではないのだが、本物との違いがわからないコピーとならんで、現代風にアレンジした作品も展示されている。

韓国系のTina Kim Galleryの展示も良かった。「The Making of Modern Korean Art」と題し、Lee Ufanなど、1960年から80年代の韓国現代美術を形作った4人のアーティストたちの間の書簡と、それぞれの作品が展示されていた。

Dia Beaconの姉妹施設であるDia Chelseaではイギリスの映画監督スティーヴ・マックイーンのビデオアートを上映していた。入口前に置かれた石はヨーゼフ・ボイスの作品(植樹プロジェクト)の一部。

チェルシー散策後は、23丁目からハイラインに上がって歩く。北に向かって数分でハドソン・ヤーズに到着する。

週末の気ままなお散歩に。

Summit One Vanderbilt

ニューヨークにはこの10年ほどで新しい展望台が増えた。ニューヨークで最も髙い100階以上からの眺めを誇る「One World Observatory」、西半球で最も高い屋外展望台の「Edge」、ロックフェラーセンター最上階の屋内外展望台「The Top of the Rock」、そして視覚効果を楽しませる「Summit One Vanderbilt（サミット・ワン・ヴァンダービルト）」がある。

今回はSummit One Vanderbiltに行ってみた。グランドセントラル駅の隣のビル One Vanderbiltの91階から93階にある。床が鏡になっているためパンツとサングラスの着用が推奨されている。鏡面を傷つけないよう入口で靴カバーも渡される。

ものすごく高速なエレベーターであっという間に91階へ。

え、ずっと下まで透けてる？

そうではなく床も天井も鏡。上にも下にも限りなく鏡の世界が続く。それがわかっていても高所から見下ろすようなちょっとスリリングな感覚。

Summit One Vanderbiltはアート要素もセールスポイントの一つ。草間彌生のオブジェが展示されている（売店で同じ形の栓抜きを売っていた。）

次の部屋はシルバーの風船で満たされていて、大人も子供も風で舞い上がる風船を打ち返したりして遊ぶ。

さて、肝心の眺めはというと、もちろん素晴らしい！マンハッタンとその先を一望できる。初めて行く土地でもそうでなくても、一度は高いところから俯瞰で見ると全体像がよくわかる。

92階に上がると鏡面効果が倍増し、ますますきらめく世界。

93階はオープンテラスで日差しと風を受けながら景色やドリンクを楽しめる。もちろん高いガラスの壁があるので安心。

楽しい展望台だった。もっとスリルを求める人は、追加料金でガラスボトムのエレベーターに乗る体験もできる。

展望台も眺め以外の要素で独自性を競う昨今。でも後で最も心に残るのは、晴れた空の下に拡がるニューヨークの風景だと思う。