藤田嗣治展

東京都美術館で開催中の「藤田嗣治展」を見た。没後50周年を記念しての大回顧展。確かに藤田の作品はあちこちの美術館で目にするが、これほど多くの作品を体系立てて鑑賞する機会はこれまでなかった。

藤田と言えば「乳白色」が代名詞。この展覧会でも1920年代の肖像画を集めた「『乳白色の裸婦』の時代」というコーナーが一つの山場となっているが、彼の人生全体の文脈の中ではそれは一つの時代であり、むしろ、各時代の彼の境遇や社会情勢などを重ねながら全体を鑑賞すると、乳白色以上のものが印象に残る。

特に切なく印象に残ったのは、キービジュアルになっている「カフェ」という作品。エコール・ド・パリの寵児として華やかな時代を過ごした藤田は、戦争でパリから日本に戻り、戦時中は「アッツ島玉砕」などのいわゆる戦争画を描いた。そのせいで終戦後、戦争協力者よばわりされ、日本を離れる。すぐにもフランスに戻りたかったが入国許可がなかなか下りず、しばしニューヨークに滞在する。そのときに描いたのがこの「カフェ」。すぐ目の前にある風景を描いているようだが、そうではなく、文化も風景も言語も違うアメリカの地で、パリの記憶を呼び起こしながら描いたのだろう。故郷に対する「郷愁」とは少し違う、過ぎてしまった時代や、戦争に巻き込まれる前の自分、遠く海を隔てたところにある美意識などに対する追憶が背景にある気がした。

キャラクターとの質感のギャップがすごい…

一方、1930年代の南米時代の作品は、全く藤田らしくなく、毒々しい色使いで描かれている。他の鑑賞客が「これ、全然良くないわよね。出さなきゃいいのに。」と話していたが、絵にサインもしていないことから、作風が変わったのではなく敢えてキッチュな作品を描いていたと思われ、それがまた、藤田の守備範囲の広さと柔軟性を示していて興味深い。

藤田は触感や質感を描くのにもすごく長けていた。猫などの動物は見ているだけで、柔らかさや、毛並みに沿って撫でたときのつやつやした手触りが思い出せる。

もう一つ印象に残ったのは「機械の時代（アージュ・メカニック）」という1958年の作品。今から60年前の子供たちが、当時の最先端の機器で遊んでいる様子を描いたもので、それぞれダイヤル式の電話、掃除機、ミシン、飛行機、電車などなどを手にしている。
（絵はこちらで見られます　http://parismuseescollections.paris.fr/fr/musee-d-art-moderne/oeuvres/age-mecanique#infos-principales）
当時としてはかなり未来的な絵だったのではないか。今見ても、不気味なくらい未来的。タイトルにある「機械」は当然、子供たちが手にしている道具だったはずだが、この無表情な子供たちを見ていると、「え？そっち？」と思えてくる。AIが道具を手にして遊ぶ未来図だろうか…。

この回顧展は東京、京都を巡回予定。必見の展覧会だと思う。

千住博＆チームラボの「水」

お台場にオープンしたチームラボの美術館は連日盛況と聞く。
一方、この夏、大阪に「水」の展示ありと聞き、敢えてそちらを見に行った。

堂島リバーフォーラムで開催中の「千住博＆チームラボ　コラボレーション展『水』」。この2組のアーティストの競演、どんなものになるのか興味があった。

会場に入ると、ダイナミックな波に囲まれる。
リアルな波の映像が、まるで生きているように不規則な動きを繰り返し、壁の鏡面に映って永遠に続く。

そして奥に進んでいくと、あの滝が。天井から下がる布に描かれた白い滝は、周りを激しい波に囲まれ、風で少したなびきながら、滝としての動きも音も中に封じ込めたような、不思議な存在感を持ってそこにあった。

客層は大人中心。皆静かに、その世界を散策している。チームラボお得意のインタラクティブ性や、カラフルな動物たちの姿はないが、それが一層、生き物のような波の躍動感と、対照的な滝の神秘性を際立たせる。

本物の水は一滴も使われていないのに、この上なく水を感じる展示だった。
ひと時の涼を求める大人の夏休みに。

（この展示は2018年9月2日まで開催。）

Raffles Makatiのアートツアー

最近「ホテルアートツアー」にはまっている。

作品の質、数ともに優れたアートコレクションを持つホテルは少なくないが、インテリアの一部としてさりげなく展示されているため、興味がなければ素通りしてしまうかもしれない。しかし時にホテルは、美術館以上に充実したアート鑑賞ができる場所となり得るのだ。

先日マニラで滞在したラッフルズ・マカティもそんなホテルだった。約1600点のアートコレクションは、全てホテルがローカルアーティストに依頼したコミッションワーク。地元のアート産業振興のためもある。

ロビー階エレベーター前の絵画にはラッフルズのロゴが。

ロビーラウンジ、レストラン、廊下など、ホテルのあらゆるパブリックスペースにインパクトあるアートが飾られている。それらを見るだけでも楽しいが、ここはアートコンシェルジュのツアーをお願いしたほうがいい。

ツアーをお願いするメリットは、作品の背景を聞けることと、ホテルによっては、勝手に入れない場所にアクセスできることもある。

ラッフルズ・マカティは、ホテル棟に隣接してレジデンス棟がある。ホテル宿泊者は普段はレジデンスの建物には入れないが、今回はレジデンス棟のアートも案内頂いた。

レジデンスのアートはフロアごとにテーマがあり、どれもフィリピンのローカルカルチャーを感じられるものばかりだった。

あるフロアのテーマは「籠」。昔からフィリピンの日常に欠かせなかったアイテムをフィーチャーすることで、人々の生活や文化を想像させる。

フィリピンの名所建築にフォーカスしたフロアもある。マラカニアン宮殿の絵の前では、スペイン植民地時代から建つ宮殿が、アメリカ植民地時代を経てフィリピン大統領府となるまでの歴史も簡単に説明してくれる。

マラカニアン宮殿

他にも、南国っぽさ溢れる鮮やかな色彩で、植物で編んだキャンバスに日常の風景を描いた絵が並ぶフロアもあった。

マニラでは毎年春にアートフェアが開催され、規模も年々拡大していると聞く。今年は初めてのビエンナーレも開催された。しかしそれらのイベント期間を除いては、市内でビジターがコンテンポラリーアートを堪能できる場所は少ないと感じる。ラッフルズのアートコンシェルジュも、フィリピンの現代アートを盛り上げる必要性を説いていた。だからこそこのホテルは、今のローカルアーティストたちの作品の一端に確実に触れることができる貴重な場所であり、また、作品が「ローカルカルチャー」という切り口で制作され、キュレーションされていることで、海外からのゲストにフィリピンの歴史や文化に目を向けるきっかけを与えている。

このホテルに泊まったことが、マニラのアート体験の質を高めてくれた。

ザ・リッツ・カールトン・シンガポールでアート鑑賞

アートに囲まれたホテルステイは楽しい。

シンガポールのアートホテルと言えば、作品数においてザ・リッツ・カールトン・ミレニア・シンガポールは他の追随を許さない。4,200点にも上るそのモダンアートのコレクションは、シンガポールはもちろん、東南アジアでもトップクラスとされる。

ロビーを入るとまず、天井のフランク・ステラの彫刻が目に入る。

左右のラウンジとレストランの壁には、ガラスアーティストのデイル・チフーリの作品が。ラウンジは彼の名前を取ってチフーリ・ラウンジと呼ばれる。

他にもヘンリー・ムーアのドローイングや、デヴィッド・ホックニーのリトグラフなど、興味深い作品がたくさんある。スタッフに言うとホテル内のアートガイドブックをくれる。3フロアに渡って展示された作品のマップと解説が記されており、わかりやすい。スタッフにアートツアーを依頼することもできるし、ガイドブックを見てセルフツアーをすることもできる。

美術館に行く時間がない忙しい滞在でも、このホテルなら、アートと、シンガポールらしい風景を楽しめる。

Parkview Museum Singapore

シンガポールのParkview Museumは、知る人ぞ知る必見のアートスポット。

オーナーは、アジア有数のコンテンポラリーアートコレクションを所有するファミリー。北京にある同じ名前の美術館とそれに隣接するホテルにも、コレクションの一部（といってもかなりの数）が展示されている。

シンガポールの美術館はブギス地区にあり、2017年春にオープンした。企画展は年に3かいくらいのペースで入れ替わる。今は「Challenging Beauty」と題し、イタリアの現代アート作品を展示している（2018年8月19日まで）。

Roberto Barni 「Clandestini」

30名近いアーティストたちの作品を通じ、第二次大戦後のアルテ・ポーヴェラ、70年代のトランスアバンギャルドのムーブメントを経て、若い世代のアーティストたちが新ロマン主義や実存主義の影響を背景に現代を表現する、イタリア美術の流れを追う。どこかシュールなタッチの作品が多いのは、キュレーションだけでなくオーナーの趣味が反映されているのだろう。

Paolo Grassino「The God is Not in Me」

もはや彫刻も3Dプリンターで作る時代。時代とともに道具も変わるのは当然の流れ。

Carla Mattii 「ST#7」

この美術館は毎日オープンしており、寛大なことに入場無料。しかしその作品とキュレーションのクオリティは、シンガポールの有料の美術館に勝っているかもしれない。

入っている建物も見逃せない。Parkview Squareというビルは、外観だけでなく内部にもアールデコの装飾をふんだんに施したとても贅沢な建築物。歴史的建物かと思いきや、2002年完成だそう。

1階にあるバー「Atlas」はWorld's 50 Best Barsにもランクインしている人気のスポット。この店のシンボル「ジン・タワー」には天井近くまでジンのボトルが並び、もはやアートの域（以前はワインタワーだったらしい）。ランチも楽しめるので、明るい昼間の時間帯に行って鑑賞することをお勧めする。

豊島美術館

「とにかく、行けばわかるから。」

瀬戸内海の豊島（てしま）の話をしていたとき、ある人が言った。
あの辺りの島の中で、最もアートを感じられる場所だ、と。

岡山の宇野港から豊島行きのフェリーに乗る。先に出た直島行きのフェリーに比べて乗客の数はだいぶ少ないが、共通していたのは、外国人観光客がほとんどだったこと。10年ほど前に直島に来たときは日本人ばかりだったと記憶しているが、いまや直島をはじめとする瀬戸内海の島々は、「art islands」としての地位を確立し、世界中からアートファンが訪れる。

約20分で豊島に着くと、そんなインターナショナルさはかけらも感じさせない、のんびりした田舎の島だった。意外とアップダウンがある道を、レンタサイクルの外国人たちが走っている以外は。

田園風景が続く通り沿いを進むと、「美術館前」のバス停看板が突然現れ、しかし、どこにも建物が見えない。少し回り込むと、緑の中に浮かぶ白い曲線の建物がふたつ。

豊島美術館は、建物の中に作品が展示されているのではなく、建物と空間そのものが作品になっている。内藤礼の「母型」という作品で、建築は西沢立衛。天井が空いているほうがアートスペースで、もう一つはカフェ＆ショップの建物だった。

アートスペースに入る前に靴を脱ぎ、係の人から説明を受ける。中では写真撮影禁止、話し声は控えめに。

そして、繭玉のような建物に入る。
上から下まで白い空間と、天井に空いた二つの大きな穴。
ひんやりしたコンクリートの床には、水がどこからか湧き出てきて、傾斜に沿って、まるで生きたトカゲのように細くゆっくり走っていく。

白い建物と空と光が一体化した中で、言葉で表現するのが難しい幻想と感動に包まれる。

ああ、なるほど。
これは来てみないとわからない。

宗教に依らない安らぎの空間とでも言おうか。
他の鑑賞者たちも皆、静かに、うっとりしたように、その場を楽しんでいる。

普段、美術館が大した理由もなく写真撮影を禁じるのは好きではないが、豊島美術館が写真撮影をさせないことは納得できる。誰でもこの美しい瞬間をカメラに収めたいと思うはずだが、撮ることに気を取られてしまったら、この空間と鑑賞者との繋がりはきっと薄れる（シャッター音があちこちで鳴り響くことが好ましくないことも当然として）。

白の余韻を背負ったまま美術館を後にすると、隣の棚田では、黄色の菜の花が満開。

豊島の良さは、とにかく、行けばわかる。
行かないと、わからない。

北京・今日美術館の前で

先日、北京滞在中に「今日美術館（Today Art Museum）」を通った。辺りはデザイン関係のショップやオフィス、ギャラリーなどが集まり、文化的な香りがする一角だった。

残念ながらちょうど展示のはざまだったため、館内には入らなかったが、建物の前にYue Minjunの彫刻が。

何がそんなに可笑しいんだろうと思うくらい爆笑している人々。こっちまで笑ってしまう。

アートを超えて、もはやエンターテイメント。